El címbalo.

El címbalo (también conocido como címbalo húngaro) es un instrumento musical que tiene un origen un tanto incierto. Se cree que el pueblo gitano lo llevó a Europa oriental aproximadamente en el siglo XIII. Es muy utilizado en la música de países como Hungría, Rumanía, Eslovaquia, Ucrania, etc., y en la música persa iraní, donde se le conoce como santur.

Es un instrumento de cuerda, y se toca con un par de mazos en ambas manos, golpeando las cuerdas para hacerlas sonar. Es una especie de salterio pero de mayor tamaño, aunque también los hay portátiles.

El mazo del dulcémele folklórico fue tomado por V. Josef Schunda, un experto fabricante de pianos que vivía y trabajaba en Pest, Hungría, como base para un címbalo de concierto, ideó la producción en serie en 1874. El primer libro de texto para este instrumento fue publicado por Geza Allaga, un miembro de la orquesta de la Real Ópera húngara en 1889.

El instrumento se hizo popular en el Imperio Austrohúngaro y fue utilizado por todos los grupos étnicos en el país, incluyendo a judíos klezmorim, así como los músicos eslavos y magiares (húngaros), y los romaníes (gitanos) y los músicos lautari (lăutari). El uso de este instrumento se extendió a finales del siglo XIX y sustituyó a la kobza en los conjuntos folklóricos rumanos y moldavos. En Valaquia se utiliza casi como un instrumento de percusión. En Transilvania y Banat, el estilo de tocarlo es más tonal.

 

TRATAMIENTO DIGITAL DEL SONIDO

Una forma de tratar una vibración sonora (música o voz) para su manejo por medios informáticos (para meterlo en un CD de música por ejemplo), es digitalizarla (transformarla en números) mediante muestreo.  Consiste en medir la amplitud de la vibración en intervalos de tiempo muy cortos, lo que se realiza mediante un dispositivo ADC ("Analog-to-Digital Converter").  Cada muestra ("Sample") se almacena como un número y la frecuencia a que se realiza la medición es la velocidad de muestreo ("Sampling rate").  Los valores numéricos obtenidos son anotados, y esta sucesión de resultados constituye una representación numérica de la vibración.  Si los números son representados en binario dentro del ordenador, tendremos una representación digital binaria de la música, muy apropiada para su tratamiento por medios informáticos.  Para reconstruir el sonido a partir de su representación digital, basta construir un dispositivo conversor DAC ("Digital-to-Analog Converter") que mande a un altavoz impulsos eléctricos proporcionales a los valores de la serie de números previamente almacenada (cosa relativamente fácil de hacer desde el punto de vista de la ingeniería electrónica).

En estos procesos, la calidad del sonido almacenado y reproducido, comienza en el proceso de toma de datos (muestreo), y termina en el dispositivo de reproducción utilizado (altavoces). En ningún caso se puede reproducir un sonido con mejor calidad que la que se empleó en la grabación, y en este orden de ideas, no es lo mismo grabar en monoaural (un solo canal) que en estéreo (dos canales) o en sonido cuadrafónico (cuatro canales), y por tanto doble o cuádruple cantidad de información (una serie por canal).

En el proceso de toma de datos solo intervienen dos factores:  La frecuencia  de muestreo y la precisión de la medida almacenada. 

Frecuencia:  Cuanto más numerosa es la serie de valores anotados, con mas fidelidad se puede reconstruir después la forma de la onda original.  Por lo general se estima que la frecuencia debe ser por lo menos el doble de la mayor frecuencia que se desea reproducir .  Para reproducir con una mínima calidad las frecuencias más altas del espectro audible (20 KHz) se requieren 40 KHz (el estándar CD-audio estableció una frecuencia de muestreo de 44.1 KHz).

Precisión:  La calidad y riqueza de matices de la reproducción está directamente relacionada con la precisión utilizada para la medida de la amplitud y el almacenamiento de los resultados.  Si utilizamos un almacenamiento de 8 bits para cada medida, solo podemos tener 256 magnitudes distintas para describir la amplitud de la señal.  En cambio, si utilizamos 2 bytes (16 bits), disponemos de 65.536 posibilidades, con lo que la información puede ser mas rica en detalles.  En este sentido es evidente que un almacenamiento de 8 bits por muestra será más pequeño pero de peor calidad que otro de 16 bits (que ocupará el doble).  Al referirse al almacenamiento de audio es frecuente utilizar expresiones como 8, 16, 24, 32 bits de profundidad de sonido, en referencia al número de bits utilizados para almacenar cada muestra.

Resulta claro que la economía de almacenamiento y la calidad apuntan en direcciones distintas, por lo que debe llegarse a una solución de compromiso en función del uso que se pretenda.  No es lo mismo almacenar el contenido de una conversación telefónica que un concierto para reproducción en estéreo.

HANG DRUM

Hang se creó hace apenas 8 años, en el año 2000, y se le puede considerar uno de los instrumentos musicales más nuevos. Viene de la ciudad de Berna, en Suiza, y lo creó Felix Rohner y Sabina Schärer, pertenecientes a la compañía PANArt. Fué el resultado de muchos años de investigación con el acero y otros instrumentos de percusión resonante por todo el mundo, como son el Gong, el Gamelan, el Ghatam, etc.

Existen muchos modelos de Hang, e incluso debido a su propia construcción, uno se puede diseñar el suyo propio para que de un tono particular. En idioma bernés Hang significa mano, ya que es un instrumento de percusión tocado con la mano.

El instrumento se compone de dos hemisferios de metal soldados y los lados se llaman DING y GU. El lado DING contiene 8 tonos musicales en forma de circulos que rodean a un circulo central mayor (el llamado DING) y que tiene un sonido muy parecido al Gong. El otro lado, el lado GU, hay un agujero para la resonancia del sonido que se genera dentro.

Se puede tocar de muchas formas diferentes: con la punta de los dedos, los pulgares o la palma de la mano, o mezclando las tres a la vez. La mayoría del tiempo, el Hang se sitúa en las piernas del compositor pero también se puede tocar apoyado en otra superficie. La única regla para tocarlo es disfrutar.

La mejor forma de entender lo que es el instrumento y lo que se puede hacer con él es verlo en funcionamiento.

http://www.youtube.com/watch?v=GhgF8GO_yrE&feature=related

AUDIO GUINNESS

Buenas tardes-noches a todos los jefecillos que tenemos en el mundo del audio :)

Hoy vamos a contaros cuales son, según el Libro Guinness de los Récords, los sonidos más débiles y fuertes del mundo...o mejor dicho, cuales son los sonidos más curiosos del mundo. A ver qué os parece.

1. ¿Cuál es el eructo más fuerte jamás registrado?

RESPUESTA: El producido por Paul Humm (Reino Unido) en 2004. Nada más y nada menos que 104.9 dB.

2. ¿Y cual es el silbido más fuerte?

RESPUESTA: A dos metros y medio de distancia, el estadounidense Marco Ferreira silbó a 125 dB.

3. ¿Y la especie animal con la onomatopeya más sonora?

RESPUESTA: Las ballenas azules. 188 magníficos dB.

4. ¿Y el ronquido más fuerte?

RESPUESTA: El sueco Kare Walkert, que marcó 93 decibelios

5. A todo esto...¿Cuál es el lugar más silencioso del mundo?

RESPUESTA: La Cámara Anenoica de los laboratorios Orfield, de Minnesota. Se dice que el sonido está cifrado en -9,4 decibelios.

6. Y en definitiva...¿Cuál fue el sonido más fuerte de la historia?

RESPUESTA: Según el Libro Guinness, ese escándaloso honor recae en la erupción del volcán Krakatoa (Indonesia, 1883), la cual se pudo escuchar en un radio de 5000 kilómetros.

DUPLICANDO DISCOS DE VINILO!!

Bueno antes de nada vamos a ver un poquillo de historia a cerca de los discos de vinilo.

El vinilo es un material plástico y sólido, que se presenta en su forma original como un polvo de color blanco. Se fabrica mediante la polimerización del cloruro de vinilo, que, a su vez, es obtenido de la sal común y del petróleo.
La grabación del vinilo se inicia con el master ya creado, el corte del cobre es el primer paso para la producción del disco micro surco. Después de haber colocado el cobre en el torno, la señal sonora que proviene de nuestro mastering se convierte en movimientos que realiza la aguja o estilete grabador encima de la placa, creando así el microsurco. Una vez efectuado el corte se procede a verificar la calidad del surco y ya terminada la fase de mastering, la placa de cobre se convierte mediante un proceso de galvanizado en un estampador. La pasta de vinilo es prensada con la placa de cobre que se a creado como estampador; ya etiquetada con su galleta impresa le sigue la fase de pulido y finalizando con el proceso de enfundado. Así se graba el vinilo, ya lo tenemos listo para su utilización y comercialización.

A continuación vamos a ver como duplicar un disco de vinilo de forma casera:

El primer paso es hacerse con una caja o algún tipo de recipiente con fondo de cristal y que esté bien sellado por los lados.

Luego ponemos el disco original que queremos copiar en dicho recipiente con la cara que queremos copiar hacia arriba. Estos discos tienen 2 caras y ambas caras pueden contener música.

 Luego cubrimos el disco con silicona y déjalo secar por unas 6 horas. Sigue las instrucciones de uso de la silicona.

Ahora despegamos la silicona.

Ahora volcamos sobre la silicona (la cara que está grabada) plástico líquido y asegúrate que cubre toda la zona del disco.

Por último separa el plástico de la silicona y hazle un agujero justo en el centro del disco.

 Y con un poco de suerte algo sonará.

Bueno si alguien lo prueba y obtiene resultados que nos ponga algún comentario!

EL SONIDO EN LOS CINES

La primera película sonora: Don Juan (1926)

Aunque no es exactamente el primer largo con sonido sincronizado de la historia, ya que se trata de uno mudo en el que se incluye música (interpretada por la Filarmónica de Nueva York) y efectos (ruido del entrechocar de espadas, campanadas, etc.) sincronizados, la película Don Juan, dirigida por Alan Crosland y protagonizada por John Barrymore, fue el film pionero, el que dio el pistoletazo de salida a la gran carrera por llevar con mayor calidad el sonido al cine. La productora Warner, con el concurso de la compañía Western Electric, había desarrollado un sistema llamado Vitaphone de grabación de sonido sincronizado para cines y que experimentó primero con cortometrajes en los que actuaban famosos cantantes y, a continuación, en Don Juan, su producción más costosa hasta entonces y una de las más rentables.

El proceso de sonorización

Para dar sonido al cine se utilizaron una gran variedad de técnicas que atravesó las diferentes etapas de las primeras décadas del cine. Se comenzó por hablar o producir ruidos detrás de la pantalla, complementado por el acompañamiento musical en vivo durante las proyecciones y la utilización de un locutor que añadía comentarios a los rótulos. Más tarde, la técnica vitapohone sustituyó en las salas de cine a las orquestas por altavoces y se limitó a la música y los ruidos. El procedimiento photophone, de Alexandre Grahan Bell consigió transmitir la voz utilizándose la luz. La voz se proyectaba a través de un tubo para un espejo fino, que vibraba y actuaba como un transmisor, y se dirigía hacia otro espejo que hacía el proceso inverso actuando como receptor. Los sonidos registrados en disco de huellas sonoras fotográficas, permitieron inscribir sonidos e imágenes en una misma cinta, tanto para la producción como para el registro. El resultado final fue la incorporación a la cinta de una pista sonora que reprodujo música, efectos ambientales y diálogos de los actores.

Ahora algunas anécdotas a cerca de los revuelos causados por la llegada del sonido a los cines:

• El sonido era un problema en los primeros tiempos del cine sonoro. Una amenaza mayor para la libertad de la imagen consistía en la necesidad de que el actor hablase cerca de los micrófonos. Los equipos de sonido de la época exigían que la persona que hablaba se dirigiese al micrófono y a corta distancia. Los micrófonos se escondían en los floreros, tras las cortinas o en la peluca de los actores. En muchos filmes de aquellos tiempos se puede apreciar el envaramiento de los actores y su cercanía extraña hablando con los objetos más diversos.
• Uno de los grandes problemas del cine sonoro se debió a la insonorización que debió hacerse de los platós. El primer plató para sonido de la Warner en los antiguos estudios Vitaphone de Nueva York era una especie de gigantesca caja, de unos 14 metros cuadrados y 8,5 metros de altura, con cortinajes colgando por todos lados, en un intento por ahogar los sonidos no deseados.
• El conocido león del emblema de la Metro tuvo que ponerse también delante del micrófono.
• La llegada del cine sonoro supuso un duro golpe para Charles Chaplin quien, en principio, se negó a aceptarlo, negándole validez artística. Evitó hablar en dos películas ya sonoras: Luces de la ciudad (1931) y Tiempos modernos (1936), que no eran en realidad sino películas mudas con músicas y efectos ingeniosamente sincronizados. Todo hacía pensar que Chaplin, el gran mimo, sería una más de aquellas estrellas que no supieron adaptarse a la llegada del cine sonoro. Chaplin no habló en la pantalla hasta El gran dictador (1941), pero cuando lo hizo, volvió a tener los éxitos de siempre. 
   Hubo películas sonoras, basadas en una variedad de sistemas, hechas antes de los años 1920, generalmente con intérpretes sincronizando los labios con grabaciones de audio previamente hechas. La tecnología era mucho más adecuada para propósitos comerciales, y durante muchos años los jefes de los principales estudios de cine de Hollywood vieron poco beneficio en producir películas sonoras. Estas películas fueron relegadas, junto con las películas de color, al estado de curiosidad.
  
  
  
  

EL HUSKY CANTOR

Buenas tardes, jefetes.

Hoy toca hablar del Auto-Tune, un programa desarrollado hace relativamente poco y que tiene como labor principal la de, a la hora de grabar una canción: detectar notas que estén mal, afinarlas y corregirlas. Con esto, basicamente os estamos diciendo que cualquier persona puede convertirse en artista dando berridos...

...o incluso un perro ladrando. Os vamos a poner un video muy muy clarificador del poder del "Auto-Tune", en el que se pone de manifiesto que un perro ladrando puede incluso hasta sonar excelente en una grabación musical.



Hay que decir que el video cuenta con más de dos millones de visitas en YouTube, y pone de manifiesto y muy en entredicho la labor de los artistas de la actualidad, que misteriosamente pierden, en la mayoría de los casos, mucha calidad vocal en directo. Y que conste que la perrita Mishka (protagonista de nuestro video) unica y exclusivamente está ladrando...y encima tiene más canciones que pueden verse en YouTube.